Esmahan Özkan, fotógrafa turca de poco más de 25 años, es la autora de la serie de retratos en blanco y negro que os muestro hoy, una colección de fotos de una fuerza y vitalidad apabullante.

Sus obras, personalísimas, creativas, son la continuidad del legado gráficos de los artistas callejeros de la llamada “foto de parque” (los del: “sonríe para la foto”, de nuestros abuelos y padres), con sus cámara de cajón (ver nota), una modalidad de retrato que en Turquía no eran meras instantáneas con poses fingidos o antinaturales: los fotógrafos otomanos buscaba la veta más artística en cada fotolito, el detalle o el encuadre más acorde con la personalidad del personaje retratado.

Ese bagaje cultural fue la semilla que germinó el arte que nos demuestra Esmahan Özkan, arte antiguo entremezclado con las nuevas tecnologías digitales, arte rudo, sin artificios, con una arrolladora fuerza y luminosidad.

Pese a que Esmahan Özkan no tiene página Web propia, si tiene una muestra más completa de sus obras en Flickr (entra pulsado aquí).

Alfredo Webmaster

Nota: las cámaras de cajón se componían de una lente de 35 milímetros, normalmente compradas en tiendas especializadas, y una estructura cúbica de madera construida por un carpintero ebanista, el cajón, que hacía las veces de “cuarto oscuro” en cuyo interior estaba el portaplacas, las dos pequeñas cubetas para el revelador y el fijador, todo sustentado en un trípode de madera extensible. Una vez estaba fijada la imagen en el papel -tipo postal-, se lava con agua corriente, se secaba y, con una tijera especiales, se recortan las copias. Después de una media hora sólo restaba que las fuera a buscar el cliente. En España era muy típico que las fotos llevaran impresas unas leyendas muy románticas, del tipo “Siempre tuya hasta la muerte”, “Sigo pensando en ti”, “¿Me recuerdas?” “Te amo vida mía” o “No me olvides”.

Hay libros de fotografía que nacen para permanecer abiertos sobre una mesa y que sean releídos por la mirada. Este es el caso del "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas", de Edvard Koinberg, que homenajea al botánico sueco Carl Linnaeus con sus fotorretratos de un centenar de plantas y flores.

La sexualidad de las formas del reino vegetal se muestra en estas instantáneas a color que antes de ser reunidas en este ejemplar exquisito, han sido expuestas en "60 lugares de 21 naciones", según indicó Koinberg desde su estudio en Estocolmo.

El elegante "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas" (Editorial Taschen) sigue la estructura del "Calendarium Florae" -calendario floral-, de Carl Linnaeus, en los que halló "conexión entre una vieja tradición de las ilustraciones de las plantas y una moderna tecnología", según afirmó el fotógrafo.

"Carl Linnaeus desarrolló un sistema que agrupaba las plantas según el momento de su florecimiento y las clasificaba según el número y la disposición de sus órganos sexuales, trazando paralelismos entre la sexualidad de las plantas y los seres humanos", lo cual suponía un planteamiento revolucionario en la sociedad del siglo XVIII.

De ahí que Koinberg ordenase en su "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas"  sus cerca de 250 fotos en doce capítulos que hacen honor al ciclo mensual y estacional de las plantas.

Su objetivo fue "hacer ilustraciones a la manera que era habitual en aquel siglo, pero con otra técnica", la fotográfica, usando tanto cámaras de gran formato analógicas como digitales en sus dos estudios, en Uppland y Estocolmo.

Este fotógrafo trabaja siguiendo los pasos de Carl Linnaeus (1707-1778), al igual que desempeñaban su labor los pintores holandeses de naturalezas muertas del siglo XVII y XVIII y "los retratistas suecos como Alexander Roslin", argumentó.

Fuera de la tradición pictórica noreuropea, Koinberg recalcó que su sensibilidad ha recibido cierta influencia del arte japonés y además reconoció que con la obra de la pintora estadounidense Georgia O'Keeffe mantiene "algunas similitudes y muchas diferencias también".

Pero la gracia pictórica en su obra destaca por el uso del fondo negro a modo de telón de la vieja escuela sobre el que hace posar a las plantas en su estudio.

Koinberg sitúa las flores y las plantas "como si fueran seres humanos con el fondo de negro u oscuro como era habitual" en el tiempo de Linnaesus, como una expresión de cómo la sexualidad de las plantas va a iluminar el lado oscuro del desconocimiento".

Esta edición del "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas" de Edvard Koinberg (Estocolmo, 1964) ha potenciado la gran carga estética de sus fotos a color en claroscuro gracias a la maquetación de las instantáneas a sangre.

La mayoría de esas imágenes "fueron tomadas entre 1999 y 2002" de flores que proceden del jardín de su residencia de verano en Uppland (Suecia) y teniendo en mente desde el inicio en que terminasen en un libro, explicó Koinberg.

Este artista no para de fotografiar plantas durante todo el año, aunque en la temporada invernal tiene que concentrarse en las plantas de esa estación o en las semillas.

De "fotógrafo sin educación botánica" se autocalificó Koinberg quien confesó que "no puede parar de añadir nuevas fotos" al "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas" pero que ha "cambiado el foco para encontrar nueva energía", porque todavía le fascina seguir las hazañas de Linnaesus "con un nuevo punto de vista".

Al principio del proyecto, Koinberg dijo que se le pasó por la cabeza fotografiar la obra compilada por Linnaesus -unas 20.000 plantas-, pero admitió que tuvo que "parar, porque es probablemente imposible de llevar a cabo en una vida".

"Linnaesus fue un estudioso fantástico. Pero contó con la ayuda de colegas de todo el mundo y envió a sus estudiantes en viajes para recopilar plantas para él".

Tan interesante resulta la vida de Carlos Linneo, que el "Herbarium Amoris. La vida amorosa de las plantas" ha sido prologado de lujo por el sueco Henning Mankell, uno de los mas destacados escritores actuales de novela negra, y por Tore Frängsmyr, autor de "Linnaeus: The Man and His Work".

Puesta de sol sobre la Torre de Hércules, en La Coruña (Galicia)

Las torres de la Catedral de Santiago de Compostela (Galicia)

En el espacio “Quién es Alfredo” incluí dos nuevas fotos (pero antiguas), una de ellas pura pornografía infantil… jejeje.

También incluí una de mi hija Ana. ¿A qué está preciosa? 

Alfredo Webmaster

Decir de él que es uno de los más grandes fotógrafos del último cuarto de siglo, es decir poco. Decir de él que es bizarro, grotesco, excesivo, impactante, perverso, sensacionalista, glamoroso, vanidoso o lujurioso, es limitarlo.

Realmente, David LaChapelle (Connecticut, 1969) es mucho más que todos esos calificativos por separado, y es mucho más que todos ellos a la vez, es uno de los privilegiados que ha logrado hacer que las superestrellas se sometan a su objetivo y a su fantástica imaginación.

Es, posiblemente, el fotógrafo que mejor ha retratado a las “celebritys” hollybudenses y del showbusiness, pilladas (sin improvisaciones, sin dejar nada al azar) en una pose que mezcla el virtuosismo de sus cámaras con su enorme capacidad de comunicación.

Su prestigio como artista gráfico siempre estuvo a la misma altura, si no más, que el de sus modelos fotografiados, fueran quienes fueran los personajes retratados.

Inició su trabajo hace 25 años de la mano de Andy Warhol, cuando le encargó la realización de varios reportajes para la revista Interview. Después de estos trabajos, nunca dejó de ser el fotógrafo más reclamado por las principales revistas del mundo de la moda, del diseño, del corazón o de las variedades.

Sus fotos (auténticas obras de arte) siempre reflejan el lado más reflexivo del personaje retratado: el culto desmedido a la personalidad, la degradación y perversión de las culturas populares, los excesos de la vanidad, la lujuria o la explosión desmedida de la gula rápida (su obra “Muerte por hamburguesa” es un icono del movimiento slow food: una modelo aplastada por un bocadillo de carne).

Sus trabajos de la serie “Eveils” (Museum, Statue, Cathedral) sobre el diluvio universal o “Deluge” inspirados en las obras de Miguel Angel en la Capilla Sixtina, son la quinta esencia del arte fotográfico, el sumum de un provocador nato.

Como dice Gianni Mercurio, crítico especializado en su obra, “sus fotos gritan” y su arte es un mensaje gráfico sobre “una sociedad dominada por la publicidad y por el comportamiento consumista, en donde la verdad sucumbe a la simulación”.

Hace pocos días, en una visita que hizo a México LaChapelle exclamó: "Ya no tengo nada nuevo que decir de esta gente, del pop y de la sociedad de consumo". Una declaración tan impactante, viniendo de quien viene y estando donde estuvo, supone una profunda cargada de reproches hacía las veleidades del famoseo y en contra de la fanfarria que rodea el mundo ficticio en el que viven estos personajes; y pone punto y final a una de las trayectorias artísticas más impactantes de los últimos años.

¿Con qué nos sorprenderá LaChapelle en el futuro? Estaremos atentos…

Alfredo Webmaster

Nota: en las fotos que incluyo aparecen retratados personajes muy conocidos de la música, del cine, de los deportes, de la moda… ¿A quiénes habéis reconocido?

Empezó en la moda y sigue de moda. Se llama Ellen Von Unwerth.

Reconozco que no sabía nada de ella hasta que Silvia, una lectora del blog que vive en Santiago de Compostela, me envió la reseña de esta fotógrafa alemana nacida en 1954.

Empezó su carrera profesional en el Circo de Munich como ayudante del mago, el payaso y el lanzador de cuchillos. Su vida transcurría de ciudad en ciudad, de actuación en actuación, de espectáculo en espectáculo hasta que, por casualidad, un conocido fotógrafo de la época la descubrió para la moda y el modelaje; en los años 70 empezó la glamorosa carrera de Ellen Von Unwerth, época de la que no tiene buenos recuerdos “aunque sí que era interesante y un poco frustrante”.

Poco a poco, al mismo tiempo que triunfaba en las pasarelas, inicia su andadura en la fotografía gracias al apoyo del que entonces era su novio. Su mayor alegría era realizar fotos cuando nadie estaba mirando, sobre todo aprovechando lo espacios muertos entre pasarela y pasarela, cuando las modelos estaban en reposo o en posición descuidada; así lograba captar la sensibilidad de sus modelos, evitando las poses forzadas y los artificios tan habituales en ese mundo de luces y flases. Incluso sus fotos más sexys y atrevidas tienen una naturalidad tan impactante que es fácil imaginar que sería posible observar la desnudez de sus modelos sin aparente intromisión. Su estilo esta a caballo entre la sofisticación de un Helmut Newton y el juego de poses de Henri Lartigue, entre unos ambientes de tipología naïf y otros de aires perversos y ligeramente SM.

Su primer éxito en la fotografía lo obtuvo cuando ganó el primer premio del Festival International de Fashion Photography en 1991.

Ha publicado varios libros de arte de gran éxito y repercusión entre los profesionales del sector, entre ellos los famosos Wicked o Copules, y sus trabajos para los grandes de las revistas de moda le han llevado a ser una de las fotógrafas más cotizadas, con grandes reportajes en Vogue, Vanity Fair, Interview, L’Uomo Vogue o I-D.

Son famosas sus campañas publicitarias para Guess, Miu Miu, The Face, Arena, Cacharel, Diesel, Rolex, Adidas, Bacardí, Banana Republic, Bluemarine, Dior, Chanel, Lanvin, Lavazza, Alberta Ferreti o Anna Sui, entre otras.

Para los objetivos de sus cámaras han posado Claudia Schiffer, a quien lanzaría a la fama, Drew Barrymore, Kim Basinger, Monica Bellucci, Daryl Hannah, Sharon Stone, Adriana Lima, Christina Aguilera, Eva Herzigova, Beyonce, Elle McPherson, Rose McGowan, Lindsay Lohan, Milla Jovovich, Christina Ricci, Laetitia Casta, Björn Borg, Amber Valetta, Cat Power, Asia Argento, Devon Aoki, Rossy de Palma o Kate Moss.

Fotografió a grandes artistas musicales, como Alicia Keys, Vanessa Paradis, Kylie Minogue, Madonna, Britney Spears o Cristina Aguilera; también realizó algunos vídeos musicales para grupos como Duran Duran, Salt-N-Pepa o N’Dea Davenport.

Además de ser una fotógrafa eminentemente de mujeres y para mujeres, también son muy conocidos sus retratos masculinos, sobre todo los de Javier Bardem, de quién es ferviente admiradora, Björn Borg o David Bowie,

Fu responsable, también, de la publicidad de Sex and The City para la HBO.

De entre sus más famosas fotografías quiero resaltar las más obsesivas, fetichistas, las que más resalta la belleza del cuerpo de la mujer y, por qué no, los juegos eróticos. Como ella misma ha dicho, sus fotos “son bonitas… fotografían obsesiones, sensualidades, picardías, ropa y estética vintage”.

Para terminar, lo que más me ha gustado de su fotografía es su capacidad para presentar a la mujer como un ser frágil pero a la vez manipuladora, dependientes pero sólo cuando les apetece; sus mujeres son fuertes, seguras, divertidas, con mucha personalidad y toneladas de erotismo.

No sé qué opinareis vosotros y vosotras pero a mí sus fotografías me parecen excelentes, sobre todo estas que os presento, sus fotos más personales y definitorias.

El hiperrealismo, como corriente pictórica, tiene una corta vida de poco más de medio siglo. Su aparición en el West-Coast de Estados Unidos de América supuso el nacimiento de un estilo que preconizaba una revisión minuciosa y detallada de las imágenes que hasta esa fecha se pintaban, mezcladas con el más radical de los verismos, en algunos casos a llegando coquetear con el pop art.

En Europa el hiperrealismo no tuvo esas veleidades modernistas pero sí algunas pinturas con tendencias casi surrealista. En España tenemos un gran, un excepcional, pintor que usa la técnica con una maestría fuera de toda duda: Antonio López.

Hace unas semanas presenté el arte de un pinto americano de este estilo, “Terry Rodgers: un arte distinto”, y hoy os enseño el de un iraní, un magnífico intérprete del hiperrealismo del que no tenía ni la más mínima idea de su existencia: Iman Maleki (Teheran, 1976).

¿Cómo lo conocí? Por medio de un comentario que hizo un lector anónimo de mi web; dijo: “Conocéis a Imán Maleki?, como pintor hiperrealista me gusta mucho más”.

A raíz de esa recomendación investigué algo sobre la vida y obra de este pintor. Visité su página Web, consulté los libros de dos de sus exposiciones, supe que había sido galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman's Choise” en la II Competición Internacional de Art. Renewal Center, leí la crítica que de él hizo Mojtaba Tavakoli (“Sus pinturas compiten con las mejores cámaras digitales de 10 Mega píxeles”)… y sí, tenía razón mi comentarista anónimo: Iman Maleki es un excepcional pintor, un fiel reproductor de la densa cultura islámica con un toca naïf pero sin su perspectiva acientífica.

Y esta es su obra, este es el arte de Iman Maleki… admirarlo y disfrutadlo.

Es curioso: Finlandia es famosa por ser el país de los teléfonos más usados del mundo, los Nokia; también es muy conocida por ser la patria del cineasta Aki Kaurismaki (Un hombre sin pasado, Contraté a un asesino a sueldo)… y por poco más.

Desde esta página quiero que Finlandia nos resulte, a partir de hoy, un lugar reconocido por el arte que despliega Jenni Tapanila, una fotógrafa finesa de sólo 26 años, una creadora que sabe conjugar de forma magistral el arte gráfico más puro con el sexo no explícito y algunos enfoques rayando la violencia. Y todo, con un marcado toque gore.

Su fotografía está muy interrelacionada con el cuerpo, con cuerpos desnudos y blancos (o negros), algunos de un blanco casi transparente, como si fueran de porcelana, y un fondo entremezclado con sangre y reminiscencias de autodestrucción más cercana al placer que al dolor o sufrimiento.

La primera vez que vi sus fotos, en un blog de arte que ya no se actualiza, me sorprendí a mi mismo observando sus fotos con devoción pese a que la temática denotaba un exceso de sangre, casi de casquería.

Aún así, la visión se sus trabajos no era algo que resultara extraño o repulsivo: Jenni consigue trasmutar la parte macabra del encuadre por una estampa más estética, más innovadora, llena de vida, en fotografías en las que priman los contrastes, el erotismo, el fetichismo y una belleza plástica que no deja indiferente.

Jenni es una artista a la que habrá que seguir en el futuro: nos dará más sorpresas.

Alfredo - Webmaster

Cuando creía que ya nada en la pintura me impactaría, voy y conozco a Terry Rodgers.

Terry es un artista, un maestro de la pintura hiperrealista: os lo presento.

Sus cuadros nos dibujan un mundo lleno de gentes guapas, de fiestas continuas, miradas de deseo, excesos de todo tipo y una sofisticada decadencia.

Su pintura se parece más a la mirada descarnada de un voyeur crítico con los hábitos y costumbres de la alta sociedad que a la pintura de los momentos. Quizá detrás de su forma de exponer el momento, se encuentre una brutal crítica con un entorno que no nos gusta ni nos aporta nada positivo.

No se trata de la mejor de las pinturas posibles pero si es una alternativa a las pinturas imposibles que a veces nos toca disfrutar. Altamente recomendable.

Os copio el texto de la presentación que de si mismo hace Terry, de si mismo y de su obra.

“Mis pinturas son grandes diseños complejos que intentan reflejar mi visión de los tiempos que hoy vivimos; cuán interesantes son y cuan difícil es para nosotros navegar sus infranqueables aguas. Existe un gran afloje y tira, candor y repulsión, ficción y realidad, conocido y desconocido.

Y vivimos en este vaivén de gestos delicados, deseos manejables, fantasías, complejidad económica e interdependencia, aislamiento y esperanza. Intento dar sentido a esta rica fábrica.

La infinita fascinación por los detalles y la dinámica arquitectónica-pictórica, combinadas con la frustración y los deseos escondidos forman una combustión curiosa y, a la vez, estática en una pintura. Intento definir estas fuerzas que forman parte de la cultura del oeste con el sentimiento que genera su infinito poder regenerativo.

Y se trata del observador; como interpretamos y reaccionamos frente a lo que vemos, como "somos" las personas en las pinturas, y como ellos "son" nosotros.

Mis trabajos no intentan juzgar ni criticar. Yo observo de cerca quiénes somos, la densidad de las influencias sobre nosotros, los errores que cometemos, y los reconocimientos que ocurren al intentar navegar un universo sin señales.

Las figuras en mis pinturas son, generalmente, vistas en algún momento en que el reconocimiento o la autorreflexión tiene lugar. Estos momentos son metáforas intentando comprender lo desconocido.

Quizás algo se ha extraviado en sus vidas y no saben qué es. Son metáforas de búsqueda. La reacción que las figuras y sus gestos despiertan en mí es simpatía, no juzgamiento ni crítica.

Mi esperanza es que, al final, estas pinturas muestren seres humanos genuinos, frágiles, que intentan descubrir algo de lo que enfrentan. Cada uno de ellos es único en su propia individualidad -en sus cabellos, sus ojos, sus labios, sus manos- y todos; independientemente el uno del otro, pelean y luchan encontrando soluciones simples superficiales, escapes efímeros a las adivinanzas eternas de la conciencia.”

Miradas, deseos, sentimientos, la sofisticación del goce o la excusa del mismo para representarlo.

Desnudo.

Hace unos días adquirí un magnífico libro de fotografía, un libro picantón y juguetón, lleno de insinuaciones y sensualidad: “The New Erotic Photography” (Taschen).

El libro incluye obras de profesionales consagrados de la talla de Ralph Gibson o Bob Carlos Clarke, junto a una hornada de nuevos valores de la fotografía que entremezclan la inspiración, la escasa censura mental, modelos femeninos desconocidas mezcladas con mujeres hermosas inmortalizadas en poses no habituales.

Entre esos nuevos valores de la fotografía que figuran en el libro:

YASUJI WATANABE, el sadomasoquista. Tal como señala el libro, con poco más de 13 años quedó impresionado por la obra de Nobuyoshi Araki; años más tarde, este joven fotógrafo japonés tuvo la suerte de trabajar junto a su maestro en varios trabajos muy reconocidos a los que no aún no tuve acceso. Como fotógrafo, Yasuji Watanabe, un aficionado al sadomasoquismo light, tiene un carácter tímido, cortés y profesional; y es precisamente eso lo que intenta impregnar en sus composiciones. Además de haber expuesto en la famosísima galería “Milieu” de Tokio y organizar el club de arte erótico Amida 7, es el director de la publicación “S&M Sniper”.

TONY STAMOLIS, el retratista de desnudos. Su última exposición conocida, “Gratuitous”, fue en Austin (EE.UU.), con graves problemas con la censura y los grupos ultrareligiosos y más conservadores; consistía en retratos de desnudos que, a los ojos de un europeo, son de lo más natural pero que en una cultura tan calvinista como la yanqui son excesivamente fuertes. Tuvo buena acogida entre los críticos más abiertos pero también algún que otro comentarista tildo la exposición de pornográfica. Las modelos de Tony Stamolis son mujeres normales de las calles de Nueva York, según él un lugar increíble para encontrar candidatas. En el libro, el diseñador Mark Sloan, califica la obra de Stamolis como un Norman Rockwell pasado de alucinógenos.

REBECCA TILLETT, contra el aburrimiento. Tiene poco más de 23 años. Considera que aún no está lista para hablar de sus objetivos profesionales, que aún está madurando y evolucionando, y que sus fotografías son la demostración palpable del camino artístico que lleva. Retrata a sus modelos segundos antes de que éstas encuentren la postura perfecta, así consigue romper con el aburrimiento y las poses fingidas. Tillett comenzó a interesarse por el cuerpo femenino durante su segundo año de instituto. De aquella etapa es Natacha Marrito, su primera inspiración artística; todavía hoy lo sigue siendo.

MARC BAPTISTE, una obra muy “sexy”. Marc es el mejor de los ejemplos del fotógrafo erótico que es capaz de hacer que las modelos se desprendan del pudor, que pierdan el miedo a la escena, al encuadre, al cuerpo expuesto. En sus fotografías consigue que las mujeres aparezcan orgullosas, contentas de sí mismas e incluso en actitud altiva y desafiante. Nacido en Haití y criado en Brooklyn, Marc ha instalado su estudio en Manhattan. Los grandes maestros Helmut Newton y Guy Bourdin, y las mujeres en general, han sido la inspiración de una obra tan sensual, honrada y “sexy”.

MAKI MIYASHITA, al estilo “amateur”. Maki Miyashita es un fotógrafo que sólo trabaja con modelos “amateur”; las prefiere así, naturales, sin experiencia, antes que captar poses de las modelos profesionales. Esta japonesa nacida en Kagoshima ha dado la vuelta al mundo con su trabajo “Rooms and Underwear”, trabajo publicado por las mejores editoriales. Desde pequeña le interesaba mucho la cinematografía y en 1996 empezó a tomar instantáneas de sus amigas desnudas, inspirándose en la obra de sus héroes: Egon Schiele y Helmut Newton.

JEREMY MF THOMPSON, modelos sin cabeza. Al principio de su carrera iba al zoológico a fotografiar animales salvajes; pronto encontró una “bestia” más interesante para inmortalizar: su vecina. Jeremy MF Thompson es cineasta, pintor, productor musical, compositor y cantante, guitarrista y, por supuesto, fotógrafo. Sus modelos ocultan sus rostros, no tienen cabeza. "Es como espiar a una mujer vistiéndose a través del ojo de una cerradura". Quizás por eso en su fotografía centra la atención sólo en algunas partes de la mujer, como la caída del cabello o la firmeza de la boca.

COLLIN J RAE, el fetichista. Sus fotografías bien podrían estar sacadas de una película erótica sobre la obsesión, la abstracción y los pies descalzos. El trabajo de Collin J Rae explota y celebra su propia sexualidad fetichista y carnal, algo que descubrió con sólo cinco años expiando a su madre y hermanas. Hoy, ya superada la fase de la que se confesaba avergonzado, esgrime sin tapujos: "Esto es lo que soy y esto es lo que me gusta".

CHIP WILLIS, la mujer en estado puro. Chip Willis es programador de tripulaciones aéreas y en sus ratos libres fotografía a mujeres desnudas. La primera vez que lo hizo fue hace siete años, y la afortunada resultó ser la dependienta de la tienda de material fotográfico donde él compraba. Su trabajo derrocha frescura y deja ver a la mujer en estado puro, sin aditamentos, si edulcorar, al natural. A pesar de que camina de puntillas entre lo erótico y lo pornográfico, en el conservadurismo de Estados Unidos, su país natal, su obra es cada vez más demandada, algo que también ha conseguido en el extranjero: algunas de sus fotografías han sido publicadas incluso en revistas de Estambul (Turquía), un país de corte islamista muy reacio a este tipo de arte.

BOB CARLOS CLARKE, un transgresor. Clarke detesta el término “erótico” por lo educado y vago que resulta. Le gusta transgredir los límites y fotografiar las axilas de las mujeres. Su musa es aquella que "hace más de lo que se le pide". La inspiración, además de en la musa, la encuentra en todos esos profesionales de la imagen de la era predigital, como Brassaï, Weegee y Newton.

ANDREW EINHORN, desnudos alegres. Del periodismo más tradicional saltó a la moda, y de la mora a los desnudos alegres. Las modelos de Einhorn dan la impresión de estar pasándolo en grande, quizás porque la mayoría no han posado nunca y la experiencia les resulta divertida. Einhorn siempre retrata a desconocidas, mujeres que encuentra en cafeterías, taxis, fiestas... "Siempre tengo mi cámara a punto por si aparece la modelo ideal".

AARON HAWKS, con vigor sexual. Aaron Hawks creció en un vecindario turbio y macarra de los barrios bajos de Seattle. A los 18 años se adentró en el mundo de la fotografía erótica, tomando como modelos a sus amigas. En su trabajo le gusta salirse con la suya y para ello sus chicas "deben mantener hacer lo que les digo con entusiasmo y vigor sensual". Sus influencias principales fueron los fotógrafos Herb Ritts, Jan Saudek y Joel-Peter Witkin, pero hoy en día no se inspira en nadie y sus trabajos destilan "un estilo propio, oscuro y doloroso; con visos de cine negro y un ligero toque de arte moderno".

Usando como base argumental parte de las obra de uno de los más influyentes e innovadores pintores del siglo XX, Gustav Klimt, el diseño de Kattaca (las diseñadoras Carol Gamarra y Mario Ville), el maquillaje de Yurema Villa y la peluquería de Raúl Zarco, el fotógrafo Moisés González ha realizado varias recomposiciones digitales que son una excelente recreación de los originales.

Gustav Klimt, pintor simbolista austriaco y principal representante del Art Nouveau de su capital, Viena, supo rodearse de las modelos más extrañas para posar en sus cuadros, todas de variada procedencia y condición: mujeres de la burguesía vienesa, incluso alta burguesía, mezcladas con una pléyade de artistas de las letras y prostitutas. Todas fusionadas en una clara influencia de la que después sería una corriente pictórica: la Wiener Secession (Secesión Vienesa).

El resultado final de las recomposiciones es soberbio, impactante, novedoso, muy artístico.

Aquí vemos varios ejemplos en los que se puede contemplar el resultado final de la recomposición frente al original de Klimt.

FACUA-Consumidores en Acción denunció ante el Instituto de la Mujer del Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales y el Instituto Nacional del Consumo (INC) del Ministerio de Sanidad y Consumo la campaña publicitaria de Ryanair, titulada: “The girls of Ryanair”, basada en el calendario del año 2008 en el que algunas azafatas de la compañía de aviación, ligeras de ropa, buscan obtener ingresos con fines benéficos.

En la denuncia, FACUA reclama la retirada urgente de todos los calendarios por considerarlos sexistas, discriminatorios, ilícitos, denigrantes para las mujeres y un atentado para la dignidad como trabajadoras; además, consideran que se utiliza a la tripulantes de cabina como reclamo sexual, algo en contra de lo que están luchando desde hace años.

Ryanair, como empresa, y el colectivo de tripulantes de cabina de la compañía, opinan todo lo contrario. “Queríamos hacer algo nuevo, las tripulantes propusieron el proyecto y se hizo. A nadie se le obligó a posar, ni han cobrado por ello y, desde luego, lo vamos a repetir”, confirmo un representante de la compañía.

Hasta aquí un resumen breve y conciso de lo sucedido. Mi opinión es bien distinta a lo que alegan Ryanair y FACUA.

Considero que es un calendario, si, es cierto, lleno de mujeres hermosas y atractivas, sensualmente retratadas pero no es muy distinto de los muchísimos otros calendarios en los que aparecen musculosos y fornidos bomberos (o futbolistas, o lo que sea), medio desnudos o totalmente desnudos, portando entre sus manos las mangueras, en una clara alusión al doble sentido del término.

Para las mentalidades políticamente correctas, para ese tipo de público tan habitual últimamente que trata de ser más papista que el papa, un calendario de mujeres hermosas y atractivas es algo retrógrado y reaccionario, totalmente contrario a la libertad y dignidad de la mujer mientras que, en el caso de los calendarios de bomberos, o futbolistas, o lo que sea, esos mismos calendarios son algo simpático y hasta jocoso.

Por tanto, existe una doble moral y un doble rasero para medir actos y circunstancias similares. Si ambos sexos somos iguales y ambos tenemos los mismos derechos y obligaciones, o los dos tipos de calendarios son reaccionarios y retrógrados o los dos calendarios son simples divertimentos que sirven para lo que sirven: para vender más y mejor, sea lo que sea.

Como tenemos la enorme suerte de vivir en países democráticos en los que hombres y mujeres pueden decidir libremente qué quieren hacer y qué no quieren hacer, ambos sexos hacen lo que hacen por que es su libertad individual.

La exposición libre del cuerpo humano, femenino o masculino, no debería ser motivo de controversia; en todo caso, debería ser es una demostración de que la cura de las desigualdades históricas no es la asimetría.

Es una mujer taciturna, de pocas palabras: hablan sus fotos por ella.

Una de sus últimas exposiciones, de la que conseguí el catálogo, trata sobre la situación de la mujer en Falkland Road, un espantoso rincón de una espantosa ciudad llena de miserias y suburbios pobres.

Falkland Road es la calle de las prostitutas de Bombay (India), un lugar sórdido en el que mujeres, algunas casi niñas, luchan por sobrevivir aceptando la mayor de las humillaciones: satisfacer sexualmente a hombres que pagan por hacer algo que sólo se debe hacer por placer.

Las fotos son impactantes pero, al mismo tiempo, muy necesarias.

Me sigue encantando la publicidad, la que vende y la que motiva, la que aporta un “algo” de valor añadido al producto y la que juega con el doble sentido de la imagen.

Uno de los países en donde se hace una publicidad más sensual pero al mismo tiempo de gran calidad gráfica y estética, es en Francia.

Incluyo las fotos del gran Coppi Barbieri para un reportaje publicado en la revista V MAGAZINE.

La marca publicitada, Under Cover, aumentó sus ventas en un 25 % a raíz de su publicación, sobre todo entre los compradores masculinos.

Y, para terminar, un anuncio de TV de la firma Arayal, en Rue des Saints-Pères 80 de París. En este spot se une la sumisión con la liberación, el sexo con la sensualidad.

Estéticamente es perfecto. La música es de Madonna, “Paradise (Not For Me)”.

Durante mi estancia en Madrid conocí la existencia de la campaña de donación de sangre que lleva a cabo Lionsgate y Twisted Pictures.

La publicidad es magnífica en el fondo y en las formas, con un enfoque rompedor e innovador, utilizando el juego de las imágenes y los dobles sentidos que la simbología sangre/enfermeras puede generar.

La campaña, circunscrita exclusivamente a Yanquilandia y que tiene como título: “Dar hasta que te duela”, se presentó por primera vez en noviembre de 2004 aprovechando la fiesta de Halloween y el estreno de SAW I.

Desde entonces, el diseño de la campaña, las puestas en escena y las fotografías corresponden al talento de Tim Palen, Copresidente del Marketing Cinematográfico de Lionsgate y afamado fotógrafo artístico.

La campaña de este año presenta a las enfermeras SAW, unas seductoras mujeres con escasa compasión y con un look realmente impactante.

El año pasado se incorporó a la campaña SAW dos socios de primera fila, la Cruz Roja Americana y Yahoo!

La campaña Donación de Sangre SAW de este año se desarrolla en campus universitarios y otros centro juveniles. Esperan llegar a los 28.000 litros de sangre donados lo que ayudará a salvar la vida a muchos miles de personas.

Este anuncio corresponde a la publicidad de ropa interior para hombres de la conocida marca danesa JBS Mens Underwear.

¿Qué opináis de la utilización de anuncios impactantes, con elevadísima carga erótica?